Charles Beránger y Paul Delaroche: Réplica del mural del hemiciclo de la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes,
Paris (1853);
Walter Arts
Museum de Baltimore, Maryland (Estados Unidos).
DIRECTRICES
Y ORIENTACIONES GENERALES PARA LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD
Curso: 2014 / 2015.
Asignatura: HISTORIA DEL ARTE.
[Las directrices y orientaciones para el curso 2015-2016 son las mismas que las del curso 2014/2015 y demás cursos anteriores.]
DIRECTRICES Y ORIENTACIONES GENERALES PARA LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD.
DIRECTRICES Y ORIENTACIONES GENERALES PARA LAS PRUEBAS DE ACCESO A LA UNIVERSIDAD.
1º Comentarios acerca del programa del segundo curso del
Bachillerato, en relación con la Prueba de Acceso a la Universidad.
El programa del 2º curso de Bachillerato en
relación con la Prueba de acceso a la Universidad, incluye la normativa
establecida para esta materia en el Real Decreto 1467/2007, de 2 de noviembre,
junto con las aportaciones específicas que para la Comunidad de Andalucía se
desarrollan en el BOJA nº 169 de 26 de Agosto de 2008, págs. 140-141.
La Historia del Arte, como disciplina
científica con objetivos y métodos propios, se centra en la observación, el
análisis, la interpretación y la sistematización de las obras de Arte,
situándolas en su contexto temporal y espacial. Constituye una materia de gran
tradición educativa en el bachillerato por las indudables virtualidades
formativas que su estudio y conocimiento encierran.
El arte es un lenguaje y la obra de arte el
reflejo de una idea en una forma determinada. El lenguaje artístico posee una
estructura propia y múltiples códigos que hacen posible la comunicación y
recepción por parte del público. El estudio de la Historia del Arte permite
conocer ese lenguaje, con sus nociones estéticas sobre cada uno de los
elementos plásticos, sus valores semánticos y su significado a lo largo del
tiempo. Permite, también, valorar la importancia del lenguaje artístico como
transmisor insustituible de emociones, valores y complejos pensamientos a lo
largo de la historia.
La actividad artística es una actividad
específicamente humana vinculada a la necesidad de recreación y expresión del
mundo de las experiencias y sentimientos individuales y colectivos. Cada obra
de arte, se convierte así, en un documento y un testimonio elocuente para el
conocimiento de las distintas sociedades históricas que han existido, de sus
formas de vida, su ideología, sus creencias y de la peculiar simbología en la
que todo ello se expresa.
La obra de arte, como producto histórico,
sólo puede ser entendida cabalmente si se la sitúa en su contexto sociocultural
y se recrea el ambiente en el que se realizó. Por ello, el hecho artístico, en
sí, debe ser analizado en sus interacciones con las distintas manifestaciones
culturales de una época y una sociedad determinadas. El estudiar los fenómenos
artísticos, relacionándolos con su contexto histórico, desarrolla en el
alumnado el respeto y la comprensión de culturas visuales diferentes a la
nuestra, y le capacita para el análisis de los diferentes factores que inciden
en el hecho artístico y en la modificación de los valores estéticos a lo largo
de la historia en función de los cambios de mentalidad.
Desde otra perspectiva el estudio de la
Historia del Arte puede contribuir al conocimiento, valoración y disfrute del
patrimonio histórico-artístico, singularmente el español y, dentro de él, el
andaluz, como exponente de nuestra memoria colectiva, del legado que debemos conservar
y transmitir a las generaciones venideras. En este sentido el estudio sobre la
conservación del patrimonio histórico-artístico debe considerar la normativa
emanada de la Ley 1/1991 de 3 de julio, de Patrimonio Histórico de Andalucía
que regula los diversos aspectos relativos al enriquecimiento, salvaguarda,
tutela y difusión del Patrimonio Histórico Andaluz en sus diversas modalidades.
Finalmente, el comprender los mecanismos y
valores básicos que rigen el funcionamiento de la sociedad contemporánea y de
su arte permite que el alumnado analice críticamente los medios de comunicación
de masas que tanto influyen en la mentalidad del hombre de hoy, y lo
conciencian de que las formas del arte actual configuran nuestro entorno
inmediato, determinándolo en gran medida. Pero además, el cultivo del gusto
personal y la formación estética es fundamental para que, lo que se denomina
arte, lo sea en función de su capacidad como objeto de comunicación y sus
cualidades de uso y consumo para la sociedad.
Parece razonable asumir un concepto amplio
de la obra de arte, relativizando la división entre Bellas Artes y Artes
Aplicadas o Menores. Tal amplitud no debe significar, sin embargo, ausencia de
criterio selectivo o valorativo, ni desembocar en una trivialización del propio
concepto de obra de arte. Además, tal y como se ha señalado, es importante
enseñar a apreciar el arte contextualizado en la cultura visual de cada momento
histórico e incidir a la vez en el hecho de que las obras artísticas tienen
otra dimensión al perdurar a través del tiempo como objetos susceptibles de
usos y funciones sociales diferentes en distintas épocas.
OBJETIVOS.
Esta materia ha de contribuir a que las
alumnas y alumnos desarrollen las siguientes capacidades:
1. Comprender y valorar los cambios en la
concepción del arte y la evolución de sus funciones sociales a lo largo de la
historia.
2. Entender las obras de arte en su
globalidad, como exponentes de la creatividad humana, susceptibles de ser disfrutadas
por sí mismas y de ser valoradas como documento testimonial de una época y
cultura.
3. Utilizar un método de análisis que
permita conocer con rigor las obras de arte, desarrollando a la vez la sensibilidad
y la imaginación.
4. Reconocer y diferenciar las
manifestaciones artísticas más destacadas de los principales estilos del arte occidental,
situándolos en el tiempo y el espacio y valorando su pervivencia en etapas
posteriores.
5. Conocer, disfrutar y valorar el
patrimonio artístico, contribuyendo de forma activa a su conservación y rechazando
los comportamientos que lo deterioren o mermen.
6. Conocer y apreciar el patrimonio
artístico de Andalucía como componente de nuestra memoria colectiva y de nuestras
tradiciones estético-culturales, incorporándolo a los temas generales.
7. Contribuir a la formación del gusto
personal, la capacidad de goce estético y el sentido crítico, y aprender a expresar
sentimientos propios ante la contemplación de la obra de arte.
8. Realizar actividades de documentación e
indagación en las que se analicen, contrasten e interpreten informaciones
diversas sobre aspectos de la Historia del Arte.
9. Conocer el lenguaje artístico de cada una
de las artes visuales y adquirir una terminología específica.
CONTENIDOS.
Los criterios para la selección,
organización y secuenciación de contenidos han sido de carácter disciplinar, cognitivo
y didáctico. Como parece lógico en esta etapa educativa, priman los criterios
de carácter disciplinar, ya que con esta materia se pretende la capacitación en
aspectos específicos de la Historia del Arte, pero sin olvidar que el objetivo
principal es la iniciación, el acercamiento a los métodos y contenidos de la
Historia del Arte.
Los contenidos
procedimentales a desarrollar en esta materia, tienen como finalidad la
adquisición de métodos de trabajo, técnicas y estrategias que sirvan para
visualizar, clasificar, analizar, interpretar y valorar las obras de arte, así
como para relacionarlas con su contexto histórico y social. Se trata de que el
alumno o alumna sea capaz de ponerse frente a una obra de arte y pueda
establecer un diálogo o interacción con la misma.
Los contenidos actitudinales deben reforzar
las acciones tendentes al respeto, conservación y defensa del patrimonio
histórico y artístico. Así mismo es importante el desarrollo de actitudes
relacionadas con la formación de criterios estéticos propios, la capacidad para
el goce estético y el sentido crítico.
Existen determinados contenidos que deben
estar presentes en todos los núcleos temáticos de esta materia. Estos son, de
manera preferente, los que hacen referencia a la cultura andaluza.
A) EL ARTE COMO EXPRESIÓN HUMANA EN EL
TIEMPO Y EN EL ESPACIO. LA ACTUALIDAD DEL HECHO ARTÍSTICO.
- La función social del arte. Su valoración
en distintos modelos históricos y culturas diversas. La obra de arte en su contexto
histórico.
- Colecciones y Museos. Funciones del museo
en el mundo del arte.
- La conservación del patrimonio artístico.
Referir los cuidados que necesita la obra artística. Criterios de conservación
y restauración de arquitectura y obra mueble. Presentar el museo como centro de
exposición, conservación y estudio.
B) LOS ESTILOS ARTÍSTICOS: EVOLUCIÓN
HISTÓRICA Y DIVERSIDAD ESPACIAL.
ARTE DE LA PREHISTORIA.
1- Pintura rupestre: las pinturas de las
cuevas franco-cantábricas y las pinturas de los abrigos levantinos.
2- Megalitismo: la arquitectura megalítica
de la fachada atlántica y la arquitectura ciclópea de las Islas Baleares.
Dentro de la triple división del Arte
Prehistórico en Paleolítico, Mesolítico y Neolítico, significar que el hombre
del Paleolítico y Mesolítico vive de la caza y desarrolla una pintura rupestre
en cuevas y abrigos, mientras que en el Neolítico practica la agricultura,
surgen los primeros asentamientos estables y la sociedad deja de ser “consumidora
de los bienes de la naturaleza” para convertirse en “productora de su propio
alimento”.
Teorizar sobre los fines de la pintura
rupestre (mágico o ritos de iniciación) y comentar las diferencias entre las pinturas
de las cuevas franco-cantábricas y la de los abrigos levantinos.
Señalar el sentido práctico del Neolítico
mediante la tipología de las construcciones megalíticas, profundizando en los
dólmenes andaluces y en los talayots, taulas y navetas de la Islas Baleares.
ARTE EGIPCIO.
1.- Arquitectura.
La tumba y el templo.
2.- Formas y características de la escultura
y la pintura.
La arquitectura egipcia es arquitrabada. Por
lo que respecta a la tumba señalar su tipología y la evolución de la pirámide
desde el modelo escalonado de Zoser, en Sakkara, hasta la Gran Pirámide de
Keops, en Gizeh. En cuanto al templo enumerar sus partes y dependencias, y
reflejar su evolución desde los edificios al aire libre (Karnak y Luxor) a los
"speos" de Ramses II, pasando por el "semiespeos" de la
reina Hatchepsut, en Deir-el-Bahari.
En el campo de la plástica resaltar que los
egipcios se distinguen del resto de los pueblos antiguos por buscar deliberadamente
el canon ideal del cuerpo humano, convirtiéndose en precursores inmediatos de
los griegos. A partir de este punto, explicar los conceptos de "ley de
frontalidad", "visión rectilínea" y canon de belleza basado en 18
puños, haciendo ver al alumno que entre los griegos la "ley de
frontalidad" desaparece en el siglo V, y que frente al puño, en la Hélade,
se prefirió la cabeza como módulo de proporción armónica para el ser humano.
Finalmente, señalar que en Egipto este código se mantuvo, casi inmutable, a lo
largo de tres mil años, mientras que los griegos lo fueron cambiando.
ARTE GRIEGO.
1.- Introducción. Los órdenes.
2.- El templo griego: el Partenón.
3.- La escultura. Los grandes maestros de
los siglos V y IV. Policleto y Fidias. Praxiteles y Scopas. Lisipo y su canon.
4.- El periodo helenístico.
5 – La escultura ibérica.
Explicar los órdenes clásicos a partir de la
preocupación griega por construir a escala humana y advertir la "armonía
visual" y refinamientos ópticos que utilizaron los arquitectos en
curvatura de entablamentos, inclinación y éntasis de las columnas, y distancia
desigual de los intercolumnios para corregir las aberraciones naturales del ojo
humano. Definir sus creaciones arquitectónicas, destacando la importancia del
Partenón en la cultura griega, analizando planta y alzado, así como la
decoración escultórica.
La escultura griega por su importancia
posterior, debe ser analizada en virtud de los grandes problemas externos e
internos que resuelve. De entrada, los maestros del siglo V diferencian la
"escultura" de la "imagen de culto", a través de las
creaciones de Policleto y Fidias. Policleto, que se ocupará meramente de los
aspectos formales, rompe la "ley de frontalidad" y aplica el canon de
belleza basado en siete cabezas, regulando sus esculturas profanas por el
principio de "Diartrosis". Fidias agrega a estos rasgos un contenido
anímico (el "quid divinum"), que hace que sus figuras de dioses dejen
de ser simples esculturas para convertirse en imágenes de culto que provocan la
devoción del fiel. (Para aclarar estos conceptos, situémonos en el siglo XVII
español, señalando las diferencias entre una escultura -retrato ecuestre de
Felipe III o Felipe IV- y una imagen –Crucificado procesional de Gregorio
Fernández o Martínez Montañés-). Explicar, asimismo, la doble tendencia de la
escultura del siglo IV: la "charis" o gracia ática de Praxiteles y el
"pathos" dramático de Scopas. Por último ver el resumen de todas
estas tendencias en Lisipo, "el último de los clásicos".
Con respecto al mundo helenístico, señalar
sus límites, el proceso de secularización del arte y su carácter mundano.
Entre los siglos VI y I a. C. vivieron en la
cuenca occidental del Mediterráneo un conjunto de pueblos con una cultura
homogénea que los griegos llamaron Íberos. Las estatuas que produjeron
constituyen hoy el capítulo más interesante del arte español antiguo. Su
iconografía puede dividirse en tres apartados: los temas militares, los animalistas,
y las representaciones femeninas con las Damas del Cerro de los Santos, Elche y
Baza.
ARTE ROMANO.
1.-Arquitectura y ciudad.
2.-Escultura. El retrato y el relieve
histórico.
Explicar la ciudad romana: sus partes y
construcciones más relevantes que la integran, explicando las distintas
tipologías arquitectónicas.
Enfocar el análisis de la arquitectura
romana bajo una doble óptica: las creaciones técnicas y los modelos prácticos.
Entre las primeras cabe destacar: la concepción axial de los conjuntos
monumentales, en Foros y Termas, constituyendo el precedente de los grandes
palacios del Despotismo Ilustrado; el descubrimiento de la cúpula como eje de
simetría vertical; el empleo del nicho como eje central de simetría dando lugar
al ábside; el uso de la bóveda de cañón y la utilización de la fachada
compuesta por pisos de arquerías.
Con respecto a la plástica romana enumerar
la tipología de sus monumentos conmemorativos, señalando las características
del relieve histórico (Ara Pacis y columna Trajana). Destacar la importancia
del retrato, profundizando en la clasificación y en la doble tendencia
realista/idealista.
ARTE PALEOCRISTIANO Y BIZANTINO.
1.- La nueva iconografía: la pintura de las
catacumbas. La cristianización de la basílica.
2.- Los edificios bizantinos y la cúpula:
Santa Sofía.
3.- La decoración musivaria.
Aprovechar este tema para comentar al alumno
cómo un mismo arte puede sufrir transformaciones estéticas a partir de una
cesura política: el arte paleocristiano antes y después del Edicto de Milán y
el arte bizantino antes y después de la revolución iconoclasta.
Del arte paleocristiano durante la etapa de
las persecuciones señalar las características de la catacumba y su decoración
pictórica como un nuevo lenguaje expresivo. Tras la Paz de la Iglesia, referir
como se cristianiza un modelo arquitectónico comercial de índole pagano -la
basílica-, poniéndola al servicio de una religión comunitaria, ya que por ser
la liturgia y el ceremonial romano al aire libre sus templos se concibieron
como relicarios de sus dioses, incapaces, por tanto, de albergar a una asamblea
de fieles.
Del arte bizantino señalar el gran logro
arquitectónico de la cúpula sobre pechinas y el derrame de empujes y
contrarrestos mediante el empleo de medias cúpulas, recogiendo pero superando
la tradición y técnica romana expuesta en el Panteón. Asimismo enfocar los
edificios de planta centrada y basilical bajo la óptica del espacio interior
como complemento al fachadismo. Analícese también la utilización del mosaico
como soporte decorativo y la inflexión que se opera en la iconografía a raíz de
la revolución iconoclasta.
ARTE MUSULMÁN DE AL-ÁNDALUS.
1.- Arte e Islam.
2.- Arquitectura. Arte califal: la mezquita
de Córdoba, arquitectura y decoración. La ciudad palatina de Medina Azahra.
3.- Arte almohade. El arte nazarí: la
Alhambra y el Generalife.
Enfocar el arte islámico como producto de la
dimensión social árabe, ahondando en sus principios genuinos mediante los
cuales se trata de organizar y dar sentido a pueblos, comunidades e individuos.
Desechar la idea deformada, distorsionada y tópica, tan extendida en Occidente,
al conocer al Islam a través de una sola faceta, la religiosa, y consecuentemente
enfrentarla hostilmente, bajo conceptos maniqueos, al cristianismo.
Explicar la mezquita como trasunto de la
vivienda doméstica de Mahoma -un patio y un recinto cubierto- señalando sus
partes y la tipología de los elementos arquitectónicos. Ejemplarizar esta
propuesta a través de la Mezquita de Córdoba. Aludir también por su
trascendencia a la ciudad burocrática de Medina Azahra con Abd Al-Rahaman III.
Advertir el carácter anicónico del arte y el
resumen de su código ornamental en la epigrafía, la decoración geométrica y el
ataurique, o decoración vegetal estilizada.
Dada la importancia del arte islámico en
Al-Andalus, significar algunos de los vestigios más relevantes del arte
almohade, como la Torre del Oro y la Giralda en Sevilla. Por último, explicar
la acrópolis nazarita de la Alhambra granadina bajo la triple dimensión de
ciudad, alcazaba y residencia; advirtiendo la importancia de la jardinería y la
"civilización del agua para los musulmanes".
ARTE ROMÁNICO.
1.- Introducción al románico.
2.- Arquitectura. Elementos formales y
soluciones constructivas. La iglesia de peregrinación y el monasterio.
3.- Escultura y pintura.
Incidir en su asombrosa brevedad. El momento
de máxima creatividad empezó a fines del siglo XI y en torno a 1140 había sido
ya sustituido, en la Isla de Francia, por el gótico. Como características
sociales y políticas comentar el feudalismo y las peregrinaciones, con especial
significación en el Camino de Santiago. Desde el punto de vista técnico señalar
todas las variedades expresivas que cristalizan en una iglesia de
peregrinación, tomando como ejemplo la catedral compostelana. Advertir, a
continuación, las peculiaridades nacionales que ofrece este estilo,
subordinando la decoración al elemento rector, que es la arquitectura.
No obstante, dentro del panorama escultórico
considerar la función pedagógica y docente de los claustros y, sobre todo, de
las portadas como "catecismos pétreos" para enseñar a una población
iletrada las verdades de la fe, a través de las artes visuales. Analizar la
iconografía y la funcionalidad del tímpano como una "cristianización"
de los frontones griegos.
Por lo que respecta a la pintura, establecer
los distintos procedimientos técnicos entre la pintura mural y la decoración
sobre tabla, centrándose en el románico español.
ARTE GÓTICO.
1.- Características generales de la
arquitectura gótica.
2.- La ciudad: la catedral y los edificios
civiles.
3.- La escultura: portadas y retablos.
4.- La pintura italiana del Trecento:
Florencia y Siena.
5.- Los primitivos flamencos del siglo XV:
los van Eyck.
Explicar las importantes transformaciones
que se producen desde el punto de vista económico y social respecto al
románico. Frente al románico agrario, feudal y monástico surge ahora el gótico
artesanal y burgués.
Significación de la catedral en la Baja Edad
Media. Sobre una de las grandes catedrales francesas, analizar la estructura
espacial y los elementos característicos de la arquitectura gótica. En cuanto a
la arquitectura gótica española comentar las tres grandes catedrales
castellanas del siglo XIII (León, Burgos y Toledo) y las que surgirán en el
ámbito mediterráneo.
Valoración de la escultura ornamental gótica
en las fachadas de los edificios y explicación del retablo como receptáculo de
historias sagradas y método de formación.
Con respecto a la pintura del período
advertir la doble corriente que genera la Italia del Trecento y los Países
Bajos durante el siglo XV, así como la repercusión de estas tendencias en
España. Sobre la pintura italiana del Trecento, analizar la doble dirección que
representa la escuela florentina a través de Giotto y la escuela sienesa mediante
Simone Martini. Sobre el arte flamenco explicar la técnica del aceite secante y
el procedimiento de las "veladuras" a través de los hermanos Van
Eyck.
ARTE MUDÉJAR.
1.- El mudejarismo en la arquitectura
española.
2.- El mudéjar cortesano: palacios, capillas
funerarias y sinagogas.
3.- El mudéjar popular: Castilla, León,
Toledo, Aragón y Andalucía.
Advertir cómo el mudejarismo ha sido una
constante en la arquitectura española. Así mismo señalar que existió un mudéjar
cortesano que se manifestó en palacios, capillas funerarias financiadas por la
aristocracia y en las sinagogas judías; y otro mudéjar popular que tuvo su
máximo exponente en el templo parroquial con características propias en
Castilla, León, Toledo, Aragón y Andalucía.
ARTE RENACENTISTA Y MANIERISTA
1.- Introducción al Renacimiento.
2.- El Quattrocento italiano. Arquitectura:
Brunelleschi y Alberti. Escultura: Donatello y Ghiberti. Pintura: Fra Angélico,
Masaccio, Piero della Francesca y Botticelli.
3.- El Cinquecento y la crisis del
Manierismo en Italia. Arquitectura: Bramante, Miguel Ángel y Palladio.
Escultura: Miguel Ángel. Pintura: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. La escuela
veneciana.
4.- España. Arquitectura: del Plateresco al
Escorial. Escultura: los primeros imagineros: Berruguete y Juni. Pintura: El
Greco.
El Renacimiento italiano representa una
etapa decisiva en el desarrollo de la civilización occidental. Su nacimiento en
los albores del siglo XV (el "Quattrocento" o Renacimiento temprano)
y el excepcional esplendor que conseguirá en el siglo XVI (el
"Cinquecento": alto Renacimiento hasta 1520, fecha de la muerte de
Rafael, y Manierismo posteriormente) contribuyeron a la transición entre la
Europa medieval y la Edad Moderna. Este período de investigación y plenitud
creadora bastó para forjar en el terreno de las artes un sistema de
representación, que perduraría intacto hasta fines del siglo XIX.
Explicar la aparición del humanismo y el
sentido antropocéntrico del arte en las "cortes" italianas del siglo XV,
donde los artistas combinaron las impresiones ópticas del mundo visible con un sentido
de estructura interior, que derivó, tras múltiples indagaciones, a la esfera de
la teoría de las proporciones, la perspectiva y la anatomía.
En el terreno arquitectónico fue donde mejor
se observa el resurgir de los motivos clásicos y su adaptación a las
necesidades contemporáneas. Analizar la armonía y dignidad de estas estructuras
a partir de los logros conseguidos por Brunelleschi en Florencia y Alberti en
Mantua.
La recuperación de los valores clásicos en
la figura y en el relieve se estudian en los relieves de Ghiberti para las
puertas del Baptisterio de la Catedral de Florencia. Conviene señalar la
personalidad de Donatello, sus aportes a la técnica escultórica y la
importancia de la escultura ecuestre en el Renacimiento.
Con respecto a la pintura, Fra Angélico
permite estudiar el intimismo religioso y avances técnicos como la perspectiva
lineal, el sentido del dibujo y el color en la pintura renacentista. Asimismo,
apuntar la gravedad psicológica de Masaccio y su plasticidad; el uso de la luz
como elemento expresivo en Piero della Francesca, y el dibujo ondulante y
nervioso de Botticelli.
El siglo XVI italiano contempla la
"época de los genios". Pero la belleza emanada del equilibrio entre
efectos ópticos y estructuras, la síntesis entre lo clásico y lo cristiano
comienza a disolverse, dando paso, por la reiteración de tipos y patrones ya
establecidos, a la complacencia en el equívoco manierista. Es entonces cuando
las nítidas composiciones piramidales, las proporciones naturales y graciosos
ademanes son sustituidos por composiciones nerviosas, carentes de espacios y
atestadas por imágenes turbulentas, artificialmente alargadas y, a veces, arbitrariamente
coloreadas, donde triunfa la "figura serpentinata''. Examinar los logros
arquitectónicos del periodo a través de los edificios de Bramante, Miguel Ángel
y Palladio.
Exponer el valor de la escultura de Miguel
Ángel y la evolución de su estilo mediante la consideración de sus principales
obras.
Respecto a la pintura poner especial énfasis
en la obra de los grandes maestros, advirtiendo las diferencias entre el diseño
romano y la pintura colorista de la escuela veneciana, ejemplarizada en
Tiziano.
Por lo que respecta al siglo XVI español,
profundizar en sus tendencias arquitectónicas: el plateresco, el purismo y el
clasicismo herreriano. Estudiar la imaginería cristiana del período a través de
Berruguete y Juni, y resumir la actividad pictórica en la figura del Greco.
ARTE BARROCO.
1.- Introducción.
2.- La arquitectura en Italia y Francia. Las
plantas alabeadas de Bernini y Borromini. El palacio clasicista francés: Versalles.
3.- Escultura en Italia: Bernini.
4.- Pintura en Italia. El naturalismo y los
problemas de la luz: Caravaggio. El clasicismo en los frescos de los Carracci.
5.- La pintura en Flandes y en Holanda:
Rubens y Rembrandt.
6.-La arquitectura barroca española.
7.- La gran imaginería: Castilla y
Andalucía. Murcia.
8.- La pintura barroca. El naturalismo
tenebrista: Ribera y Zurbarán. Realismo Barroco: Velázquez y Murillo.
Estudiar el arte barroco como expresión del
poder de los grandes monarcas europeos, de la fluyente riqueza de los Estados y
de la próspera situación del catolicismo triunfante en el Concilio de Trento.
Reflexionar brevemente sobre el desprecio que sintieron hacia la cascada de
propuestas estéticas de este movimiento los neoclásicos academicistas del siglo
XIX y la revalorización crítica que experimenta en el siglo XX. Indicar como
características esenciales el dinamismo, los efectos escenográficos y
lumínicos, y el carácter unitario de todas las artes. Y todo ello, tendente a
mostrar el sentido exacerbado de la vida y del destino humano a través de toda
una gama sensorial: desde el estallido de la espontaneidad hasta el control del
clasicismo, desde la parada teatral hasta la interioridad espiritual.
En el capítulo de la arquitectura italiana
analizar las grandes creaciones de planta alabeada realizadas por Bernini y
Borromini, en la Roma de los Papas, y compararla con la arquitectura palatina
de la monarquía francesa financiada por el rey Sol (Versalles), de formas
clasicistas.
En cuanto a los logros escultóricos,
exponerlos a través de la polifacética figura de Bernini, el monarca indiscutible
del barroco romano y uno de los artistas más influyentes del barroco europeo.
La pintura barroca italiana debe
concentrarse en la doble corriente del naturalismo caravaggiesco y el clasicismo
de los Carracci. El Caravaggio transmite a sus lienzos un análisis visual
fehaciente del mundo natural, basando la composición, el dibujo y el color
sobre la observación directa y produciendo fuertes contrastes de luces y sombras.
Por contra los Carracci rinden homenaje en sus frescos y bóvedas a la
antigüedad clásica y exaltan las cualidades del control intelectual, equilibrio
compositivo, integridad de forma, claridad de dibujo y distinción del color.
Fuera de Italia, la pintura barroca alcanza
un amplísimo desarrollo en Flandes y Holanda. La influencia de factores
religiosos, político-sociales y económicos determinan la separación de los
ideales artísticos de Flandes (católico, monárquico, aristocrático y sometido
al dominio español) y Holanda (protestante, republicana, burguesa e independiente).
Analizar las características de estas dos grandes escuelas pictóricas europeas
a través de la producción de Rubens y Rembrandt.
De la arquitectura barroca española
significar su vertiente "casticista", caracterizada por la
simplicidad estructural de las iglesias de "planta de cajón", ajenas
a la ondulación de muros romana, pero brillante y teatralmente revestidas en
sus interiores con yesos, maderas, espejos y, en algunos casos, provistas de
cúpulas fingidas. Un exultante repertorio ornamental que se traduce en las
aparatosas portadas, concebidas como retablos en piedra.
Como complemento significar la importancia
urbanística de las grandes plazas mayores que se construyen en esta etapa.
Entre los géneros que cultiva la imaginería
barroca española destacan el retablo y el paso procesional.
Como centros protagonistas de esta etapa
conviene analizar a Valladolid, con la figura estelar de Gregorio Fernández, y
a Sevilla con Juan Martínez Montañés y su discípulo Juan de Mesa. Asimismo
examinar los logros del granadino Alonso Cano y de Salzillo en Murcia;
advirtiendo las diferencias existentes entre las escuelas.
La gran escuela pictórica española del Siglo
de Oro cuenta también con dos tendencias claramente diferenciadas: el
naturalismo tenebrista y el realismo barroquista Analizar la primera dirección
a través de la obra de José Ribera y Francisco Zurbarán, y ejemplificar la
segunda corriente mediante la producción de Velázquez y Murillo.
ARTE NEOCLÁSICO.
1.- Características generales del
Neoclasicismo. Las Academias.
2.- Arquitectura: Juan de Villanueva.
Escultura: Canova. Pintura: David.
3.- Francisco de Goya.
Explicar este tema como una vuelta a los
ideales clásicos tras el cansancio y agotamiento de las fórmulas barrocas,
haciendo notar al alumno el flujo y reflujo que han tenido los grandes ciclos y
ritmos de la Historia del Arte entre lo clásico y lo barroco.
Dentro de las consideraciones generales del
Neoclasicismo y utilizando a Francia como epicentro, señalar la función social
del nuevo movimiento estético, puesto al servicio de las clases medias y
populares que, tras la Revolución y la caída del Antiguo Régimen, ven en él la
derrota de la aristocracia y del gusto barroco.
Exponer la influencia de la cultura de la
Ilustración en las artes y el control de la enseñanza de las mismas por las
Academias.
Plantear los caracteres de la arquitectura
neoclásica en torno a la obra de Juan de Villanueva.
Caracteres de la escultura neoclásica y
reseña artística de Antonio Canova.
Jacques-Louis David, por su vida de
compromiso político y por las propuestas formales y morales que desarrolla en
su pintura, viene a ser el mejor representante de los pintores del Neoclasicismo.
La vida y la obra de Goya condensan con
categoría genial los sentimientos artísticos y los aportes plásticos de la
generación que vivió los difíciles decenios del paso de siglo.
ARTE DEL SIGLO XIX
1.- Introducción. Romanticismo: Delacroix;
Realismo: Courbet.
2.- Arquitectura. Historicismos. Edificios
de hierro y cristal. El Modernismo.
3.- Impresionismo: Monet, Renoir, Degas. Las
esculturas de Rodin.
4.- Postimpresionismo: Cézanne, Gauguin y
Van Gogh.
Como preludio al arte contemporáneo explicar
al alumno el sentido de cambio perpetuo que impera en el terreno artístico a lo
largo de los siglos XIX y XX, como reflejo de una sociedad deseosa de encontrar
nuevas soluciones a los problemas que acuciantemente se le presentan.
De entrada, Romanticismo y Realismo se
convierten en una actitud ante la vida. Enfocar el Romanticismo como una pose
adoptada por los artistas que quieren escapar de la sociedad burguesa
decimonónica. El Realismo, tendencia doctrinaria y fanática, sobrepasó las
fronteras del arte para extender su lucha a la vida política y militar.
Sus protagonistas van a ser mayoritariamente
fieles republicanos entregados a la clase trabajadora.
Consecuentemente los artistas otorgan
prioridad a la vista sobre otros principios abstractos de forma y composición, contenido
emocional o narrativo. Este énfasis será asimismo esencial en la formación del
Impresionismo.
Estúdiense ambos movimientos a través de la
obra de Delacroix y de Courbet.
Los cambios del mapa europeo tras la caída
de Napoleón y el advenimiento de la burguesía al poder provocan un fuerte
interés por conocer las raíces históricas medievales, que tienen su reflejo en
la revitalización de los estilos históricos: neorrománico, neogótico,
neobizantino, etc. Hacia mediados de siglo se llega progresivamente a la
delimitación de función y estilo que es característica de la arquitectura del
Eclecticismo. Pueden estudiarse como ejemplos el Congreso de los Diputados y la
Basílica de Covadonga, entre otros. Los problemas estilísticos que preocupaban
a los arquitectos del siglo XIX encontraron una primera respuesta en la
estética del Modernismo, en la cual se enlazan el culto al naturalismo y la
aplicación de la tecnología del hierro. Pueden estudiarse estos planteamientos
en las obras principales de Victor Horta y Antonio Gaudí.
Finalmente advertir las grandes
aportaciones, basadas en la experiencia óptica directa de la luz y del color, que
al terreno pictórico ofrecen los impresionistas: Monet, Degas y Renoir;
incluyendo como colofón del movimiento la figura escultórica de Rodin.
Del postimpresionismo estudiar a sus tres
grandes protagonistas, haciendo notar que de estos maestros surgirán otras
tantas direcciones que tomará la pintura del siglo XX: Cézanne y el cubismo,
Van Gogh y el expresionismo, y Gauguin, que abrirá los cauces del fauvismo,
ingenuismo y primitivismo.
ARTE DEL SIGLO XX
1.- La arquitectura del movimiento moderno.
Racionalismo: Le Corbusier. Organicismo: Frank Lloyd Wright.
2.- Escultura: innovaciones en materiales y
técnicas.
3.- La pintura. Las vanguardias históricas:
Fauvismo, Cubismo, Expresionismo alemán, Dadaísmo, Surrealismo y la abstracción.
La arquitectura, definida como el "arte
indispensable", se sustancia durante este siglo en dos grandes corrientes:
una europea, denominada "racionalismo", que tendrá en los arquitectos
de la Bauhaus y en Le Corbusier a sus principales intérpretes; y otra
norteamericana, llamada "organicismo", cuyo protagonista indiscutible
es Frank Lloyd Wright. Señalar la filosofía y las características de ambas
corrientes.
Por lo que respecta a la escultura de este
siglo, explicar al alumno la importancia del "hueco" y el
"cinetismo" como grandes
innovaciones plásticas. Estúdiense estas innovaciones a través de la obra de
Julio González, Pablo Gargallo y Alexander Calder.
Sobre los "ismos" matizar los
orígenes del nombre con que se designa a cada uno de los movimientos conocidos
como la vanguardia histórica: Fauvismo (Matisse), Expresionismo alemán
(Kandinsky), Cubismo (Picasso), Dadaísmo (Duchamp) Surrealismo (Dalí) y la
abstracción (Pollock).
2º Estructura de la prueba que se
planteará para la asignatura.
Al alumno se le ofrecerán dos opciones –A y
B- de las que elegirá una, que desarrollará en un tiempo máximo de 90 minutos.
Cada opción consta de dos preguntas
prácticas y otras dos teóricas.
Cada pregunta se evaluará con una puntuación
máxima de 2’5 puntos.
3º Instrucciones sobre el desarrollo de
la prueba.
3.1 De carácter general.
En este apartado se incluyen los
procedimientos propios del análisis artístico y las actitudes y valores que deben
ser promovidos en los alumnos y alumnas a partir del conocimiento de las
diferentes manifestaciones artísticas.
El aprendizaje de este conjunto de
procedimientos, actitudes y valores no puede plantearse con independencia de
los contenidos conceptuales que se incluyen en los restantes núcleos de este
diseño curricular, puesto que en el conocimiento de la obra de arte siempre se
ponen en juego determinados procedimientos de análisis técnico, formal,
simbólico e iconográfico, así como criterios específicos de valoración estética
que desvelan su significado en el contexto de la sociedad que la crea.
Consecuentemente los contenidos de este
núcleo, por su naturaleza transversal, deben trabajarse contextualizados con
los contenidos conceptuales de los restantes núcleos.
El estudio de una obra de arte debe basarse
en diferentes perspectivas de análisis:
- el análisis técnico, que proporciona
información sobre las formas (tema, composición, calidades...) y los métodos de
elaboración de la obra (materiales, procedimientos...).
- el análisis simbólico, que permite
entender la mentalidad de la sociedad a través de la lectura de su código de significados
(símbolos y signos que aparecen en la obra de arte).
- el análisis sociológico, que muestra la
relación entre el artista, su obra y el contexto social en el que se vive y se concibe.
Todo ello, incluido en una metodología
integradora, permitirá al alumnado utilizar la reflexión, el razonamiento, el
sentido crítico, de tal modo que pueda reconocer y diferenciar los aspectos
formales que posee cada estilo artístico y lo pueda expresar con una correcta
terminología artística.
Junto a estos contenidos de procedimientos
en relación con la percepción y el análisis de las obras de arte, se consideran
igualmente relevantes, como contenidos de enseñanza y aprendizaje, un conjunto
de actitudes y valores, que deben ser promovidos a partir del estudio y
conocimiento de esta materia. Entre ellos, los siguientes:
- Interés por conocer y descubrir todo tipo
de manifestaciones artísticas, sin discriminar entre Artes mayores y menores, o
entre obras de arte consagradas y otros objetos patrimoniales menos reconocidos
e identificados.
- Rigor crítico en el análisis de obras de arte.
- Valoración de las obras de arte del
entorno como manifestaciones culturales relevantes de las sociedades históricas
que nos han precedido, y del legado cultural que debe ser transmitido.
- Preocupación y toma de posición ante los
problemas de conservación y protección del Patrimonio Artístico, en especial
ante aquellos que hacen referencia al entorno cultural.
- Respeto y valoración crítica de
concepciones estéticas y formas artísticas no coincidentes con el gusto
personal.
3.2 Materiales permitidos en la prueba.
Ninguno, salvo el utillaje para escribir.
4º Criterios generales de corrección (es imprescindible concretar las valoraciones que se harán en cada
apartado y/o aspectos a tener en cuenta):
1.- Analizar y comparar los cambios
producidos en la concepción del arte y sus funciones, en distintos momentos históricos
y en diversas sociedades.
Mediante este criterio se trata de evaluar
si los alumnos y alumnas, después de analizar, contrastar y debatir el concepto
de arte y sus funciones, asumen la complejidad de estos conceptos y comprenden
las razones de los cambios que se producen en ellos.
2.- Relacionar las manifestaciones
artísticas con su contexto histórico y cultural y valorar la diversidad de corrientes
y modelos estéticos que pueden desarrollarse en una misma época.
Se trata de valorar los distintos estilos en
relación con su época, mediante aportaciones personales. Hay que evaluar si el
alumnado es capaz de identificar, explicar y valorar las principales corrientes
artísticas, distinguiendo el protagonismo de algunas personalidades que han
abierto nuevos caminos de expresión.
3.- Interpretar obras de arte con un método
que integre la valoración objetiva de obras de arte y la creatividad personal
del alumno, expresándola con la debida claridad.
Con este criterio se pretende evaluar si los
alumnos y las alumnas utilizan los procedimientos básicos de análisis e
interpretación de obras de arte. A la vez es conveniente valorar las
aportaciones personales en la valoración de las obras de arte, que implican el
desarrollo de la creatividad en la interpretación de las imágenes.
4.- Identificar y situar cronológicamente
obras de arte representativas de un momento histórico, señalando los rasgos
característicos más destacados que permiten su clasificación en un estilo
artístico.
A través de este criterio se pretende
evaluar si se ha comprendido el concepto de estilo, así como la homogeneidad y
diversidad de la producción artística de una época. Asimismo los alumnos y
alumnas deben saber ver la incidencia de los factores históricos en la
formación y evolución de un lenguaje artístico.
5.- Contrastar y comparar concepciones
estéticas y rasgos estilísticos para apreciar las permanencias y los cambios.
Con este criterio se pretende evaluar si los
alumnos y alumnas perciben procesos de cambio artístico atendiendo a la
naturaleza del arte como lenguaje: la diferente concepción de los elementos
formales, los nuevos problemas técnicos, el tratamiento de los temas, la
incidencia de nuevos usos y funciones que se asocian al arte.
6.- Identificar y analizar obras
significativas de artistas relevantes, con especial atención a las de los
artistas españoles y, singularmente, a las de los andaluces, distinguiendo los
rasgos diferenciadores de su estilo.
Este criterio de evaluación tiene por
objetivo comprobar la capacidad de los alumnos y alumnas para valorar el
protagonismo de ciertos artistas que han desarrollado en su obra nuevos
planteamientos o han abierto vías artísticas inéditas en unas determinadas circunstancias
históricas.
7.- Valorar obras de arte significativas de
nuestro patrimonio cultural en su contexto, en museos y exposiciones integrando
la valoración objetiva con la realidad del alumnado.
8- Planificar itinerarios
histórico-artísticos, señalando las obras de arte que se han de visitar,
recabando y elaborando la información pertinente.
Se trata de evaluar en qué medida el
alumnado es capaz de movilizar sus conocimientos previos para diseñar una
salida de estudio y de utilizar ésta como vehículo de ampliación y matización
de sus propios conocimientos y sensaciones estéticas y como estímulo para la
adquisición de otros nuevos.
9.- Observar y analizar monumentos
artísticos y obras de arte en museos y exposiciones.
Se trata de comprobar la capacidad de los
alumnos y alumnas para apreciar la calidad estética de las obras de arte objeto
de contemplación y análisis, y para expresar sentimientos propios ante ellas.
5º Información adicional (aquella que por su naturaleza no está contenida en los apartados
anteriores):
Intencionadamente en blanco.
6º Modelo de prueba:
[Se reproduce el
examen de septiembre de 2007 sin el encabezado y sin las instrucciones.]
Opción
A.
1. Clasifique y
comente la imagen 1 A [El Escriba Sentado del Louvre].
2. Clasifique y
comente la imagen 2 A [La Vieja Friendo Huevos de Velázquez].
3. El románico: escultura y pintura.
4. La arquitectura española del
Renacimiento.
Opción
B.
1. Clasifique y
comente la imagen 1 B [La Villa Saboya de Le Corbusier].
2. Clasifique y
comente la imagen 2 B [La Piedad del Vaticano de Miguel Ángel].
3. Características generales de la arquitectura gótica
4. Impresionismo: Monet, Renoir, Degas.
7º Criterios específicos del modelo de
prueba:
1.- Especificación de la puntuación en el
desarrollo de cada pregunta teórica:
1.1.- Encuadrar la pregunta teórica en su
contexto histórico y comparar, si procede, con sus antecedentes y consecuentes.
0’50 puntos.
1.2.- Características generales del tema,
claras y precisas, utilizando la terminología adecuada. 1’50 puntos.
1.3.- Ejemplos concretos de obras y autores,
si ha lugar. 0’50 puntos.
Total: 2’50 puntos.
2.- Especificación de la puntuación en el
comentario de cada ilustración:
2.1.- Utilización de un vocabulario adecuado
y específico, a la hora de comentar y describir la ilustración propuesta.
0’50 puntos.
2.2.- Localización y análisis de la obra de
arte, teniendo en cuenta todo lo relativo al estilo, período
histórico-artístico, escuela, autoría y cronología.
1’50 puntos.
2.3.- Relacionar la obra artística con su
contexto histórico, social, político y religioso.
0’50 puntos.
Total: 2’50 puntos.
________________________________________________________
Las directrices y orientaciones
correspondientes al curso 2014-2015 han sido publicadas por La Junta de
Andalucía en la página siguiente:
Nuestra versión es una puntual
transcripción con algunas correcciones en la puntuación y en la presentación.
Estas directrices
entraron en vigor en el curso 2006/2007.
________________________________________________________
La imagen que hemos escogido como
encabezamiento es una réplica del mural que pintó Paul Delaroche entre 1841 y
1842 para el hemiciclo de honor de la parisina École nationale supérieure des
Beaux-Arts. El autor de esta réplica es Charles Beránger, discípulo de
Delaroche. El propio Delaroche terminó esta versión al morir Beránger en 1853,
cuando la obra aún no estaba concluida. Delaroche consiguió completar esta
réplica en el mismo año de 1853.
La obra representa a una selección de
artistas de todos los tiempos (Miguel Ángel, Rubens, Tiziano, Poussin...)
presididos por Ictinos, Apeles y Fidias y varias alegorías.
Esta réplica es un óleo sobre lienzo que
mide 257 cm x 41.6 cm. (En nuestra reproducción hemos eliminado el espacio en
blanco emplazado bajo la escena).
El cuadro se exhibe en el Walters Art
Museum, de Baltimore, Maryland (Estados Unidos).
La imagen y la descripción proceden de la
wikipedia:
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